Un artiste de performance est un artiste dont le travail consiste en des performances scéniques ou autres performances publiques. Techniquement, cela inclut les musiciens, les poètes et toute autre personne qui se produit dans un lieu public. Dans l’usage courant, cependant, le terme artiste de performance fait référence à une classe d’artistes travaillant en Amérique et dans le monde depuis les années 1960. Ces artistes sont connus pour leur travail de pointe qui peut utiliser de la musique, des performances orales et des objets inhabituels dans une variété de médias ; les pièces qui en résultent sont parfois difficiles et controversées. Des exemples bien connus incluent Laurie Anderson, Karen Finley et Spalding Gray.
Le mouvement des artistes de la performance moderne est né du surréalisme, du dadaïsme et d’autres mouvements anti-art du début du 20e siècle. Des artistes tels qu’André Breton et Marcel Duchamp croyaient que le soi-disant véritable art devrait être un défi plutôt que de réconforter. Lassés et irrités par les tendances du monde de l’art établi, ils ont créé un art qui a tour à tour amusé et enragé les amateurs d’art de l’époque. Cela a abouti à des performances sur scène qui ont provoqué de véritables émeutes du public. Breton et les autres surréalistes ont estimé que ces cascades avaient réussi à secouer le monde de l’art.
Au cours des décennies suivantes, des artistes tels que Picasso, Jackson Pollock et Andy Warhol ont encore redéfini l’art dans l’esprit du public. Dans les années 1960, ces artistes et des artistes plus radicaux avaient gagné leurs propres adeptes dans le monde de l’art, alors que le grand public les trouvait souvent déroutants ou aliénants. Les artistes ultérieurs ont cherché à brouiller les frontières entre l’œuvre d’art et la performance scénique, entre l’artiste et le public, et entre l’art et la politique. Yoko Ono, Carolee Schneemann et Allan Karpow faisaient partie de ces pionniers, créant des événements et de l’art qui définiraient plus tard l’artiste de la performance.
La ville de New York dans les années 1970 était un environnement stimulant pour ceux qui se trouvaient en marge de l’art. Ici, de nombreux artistes de la première heure comme Laurie Anderson ou Chris Burden pouvaient travailler en harmonie avec d’autres artistes, interprètes et musiciens établis, dont certains faisaient un travail tout aussi radical. Pendant un certain temps, ces artistes de la performance ont bénéficié d’un soutien public et privé, notamment de subventions du National Endowment for the Arts (NEA), une agence fédérale américaine. Leurs sujets étaient souvent radicaux, se concentrant sur les tabous corporels ou les questions politiques et sexuelles, par exemple. Les performances elles-mêmes étaient tout aussi révolutionnaires, comme Anderson dirigeant une symphonie de klaxons d’automobiles ou Schneemann enduisant son corps de viande crue.
Ces sujets et performances controversés n’ont pas été bien accueillis dans les années 1980, plus sobres. Les politiciens américains ont rechigné à financer un art aussi radical avec de l’argent public. Les artistes de performance en particulier, dont Karen Finley, ont été distingués; en conséquence, l’AEN a été forcée de modifier ses politiques de financement. Au 21e siècle, des artistes plus traditionnels ont connu le succès dans le genre des artistes de performance, jouant à guichets fermés dans le monde entier. Ces artistes de performance grand public comprennent le Blue Man Group et l’ensemble musical et de danse Stomp.