Ein Performance-Künstler ist ein Künstler, dessen Werk aus Bühnen- oder anderen öffentlichen Aufführungen besteht. Technisch gesehen umfasst dies Musiker, Dichter und alle anderen, die an einem öffentlichen Ort auftreten. Im allgemeinen Sprachgebrauch bezieht sich der Begriff Performance-Künstler jedoch auf eine Klasse von Performern, die seit den 1960er Jahren in Amerika und weltweit tätig sind. Diese Künstler sind für ihre hochmodernen Arbeiten bekannt, die Musik, Spoken-Word-Performance und ungewöhnliche Objekte in einer Vielzahl von Medien einsetzen können. die daraus resultierenden Stücke sind manchmal herausfordernd und kontrovers. Bekannte Beispiele sind Laurie Anderson, Karen Finley und Spalding Gray.
Die moderne Performance-Künstlerbewegung entstand aus dem Surrealismus, Dadaismus und anderen Anti-Kunst-Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts. Künstler wie Andre Breton und Marcel Duchamp glaubten, dass die sogenannte wahre Kunst eher herausfordernd als tröstend sein sollte. Gelangweilt und verärgert über die Trends der etablierten Kunstwelt schufen sie Kunst, die Kunstliebhaber der damaligen Zeit abwechselnd amüsierte und erzürnte. Dies gipfelte in Bühnenauftritten, die das Publikum zu tatsächlichen Aufständen provozierten. Breton und die anderen Surrealisten waren der Meinung, dass diese Stunts die Kunstwelt erfolgreich aufrütteln.
In den folgenden Jahrzehnten definierten Künstler wie Picasso, Jackson Pollock und Andy Warhol die Kunst in der Öffentlichkeit weiter neu. In den 1960er Jahren hatten diese und radikalere Künstler ihre eigene Anhängerschaft in der Kunstwelt gewonnen, während die Öffentlichkeit sie oft als verwirrend oder entfremdend fand. Spätere Künstler versuchten, die Grenzen zwischen Kunstwerk und Bühnenperformance, zwischen Künstler und Publikum sowie zwischen Kunst und Politik zu verwischen. Yoko Ono, Carolee Schneemann und Allan Karpow gehörten zu diesen Pionieren und schufen Events und Kunst, die später den Performance-Künstler definieren sollten.
New York City in den 1970er Jahren war ein nährendes Umfeld für diejenigen, die am Rande der Kunst standen. Hier konnten viele frühe Performance-Künstler wie Laurie Anderson oder Chris Burden mit anderen etablierten Künstlern, Performern und Musikern harmonieren, von denen einige ebenso radikal arbeiteten. Eine Zeit lang genossen diese Performance-Künstler öffentliche und private Unterstützung, einschließlich Stipendien der National Endowment for the Arts (NEA), einer US-Bundesbehörde. Ihre Themen waren oft radikal und konzentrierten sich beispielsweise auf Körpertabus oder politische und sexuelle Themen. Ebenso bahnbrechend waren die Aufführungen selbst, wie Anderson eine Sinfonie aus Autohupen dirigierte oder Schneemann ihren Körper mit rohem Fleisch bestrich.
Diese kontroversen Themen und Aufführungen wurden in den nüchterneren 1980er Jahren nicht begrüßt. Amerikanische Politiker sträubten sich dagegen, solch radikale Kunst mit öffentlichen Geldern zu finanzieren. Insbesondere Performance-Künstler, darunter Karen Finley, wurden ausgewählt; infolgedessen war die NEA gezwungen, ihre Förderpolitik zu ändern. Im 21. Jahrhundert haben mehr Mainstream-Künstler Erfolg im Performance-Künstler-Genre und spielen vor ausverkauften Zuschauern auf der ganzen Welt. Zu diesen Mainstream-Performance-Künstlern gehören die Blue Man Group und das Musik- und Tanzensemble Stomp.