Ci sono diversi tipi di stili di arte moderna che sono diventati parte integrante della storia dell’arte. Questi diversi periodi dell’arte moderna iniziarono a metà del XIX secolo e proseguirono negli anni Settanta. Molti degli artisti moderni che hanno prodotto opere in questo periodo hanno contribuito a definire uno o più stili artistici che sono diventati parte del movimento più ampio. I diversi tipi di artisti moderni includono impressionisti, cubisti, puntinisti, dadaisti e surrealisti. La maggior parte dei tipi di arte moderna si è concentrata sull’espansione del genere sfidando in precedenza opinioni su cosa sia l’arte visiva.
L’impressionismo è stato uno dei primi metodi di pittura che ha contribuito a inaugurare l’arte moderna. Gli artisti moderni che hanno praticato l’impressionismo si sono discostati dalle tecniche di pittura tradizionali e realistiche e si sono invece concentrati sulla ricostruzione del sentimento di una scena o di un soggetto. Sostituirono le aree di colore con forme rigorose e si affidarono più alla percezione e alla sensazione di un dipinto che a dettagli realistici.
In contrasto con le luci a volte eteree, le tenebre e i colori dell’impressionismo, il cubismo si mise alla ricerca di forme forti. Secondo il nome suggerisce quadrati o cubi, gli artisti moderni che praticavano il cubismo erano in realtà più interessati a decostruire una scena o un soggetto in qualsiasi tipo di forme geometriche primitive, non solo quadrati. Queste scene finali hanno esplorato la composizione in relazione alle linee e alle relazioni spaziali delle forme create.
Il metodo di puntinismo si sviluppò alla fine del XIX secolo con la nascita di nuovi tipi di vernici e pigmenti. Il puntinismo è un metodo in cui un artista utilizza piccoli punti o pennellate di vernice per formare un’immagine più grande. Se visti da vicino, i punti sono chiaramente visibili. Se uno spettatore si allontana dal dipinto, tuttavia, i punti si uniscono per rivelare l’immagine completa. Gli effetti di luce e ombra che possono essere raggiunti attraverso il puntinismo sono unici ma possono richiedere molto tempo per essere creati.
Il dadaismo era una forma d’arte unica che è emersa come una reazione agli eventi della prima guerra mondiale. Il movimento Dada ha cercato intenzionalmente di creare pezzi che erano l’opposto diretto delle forme di arte visiva precedentemente accettate. I dadaisti crearono opere spesso assurde o apparentemente casuali. L’obiettivo finale del dadaismo era quello di fornire commenti critici sugli istituti culturali che gli artisti ritenevano dannosi.
Emergendo dal dadaismo, il surrealismo portò l’arte in un regno di irrealtà decisa. A differenza degli artisti che facevano ritratti o dipinti di paesaggi, i surrealisti dipingevano immagini che esistevano solo nell’immaginazione. I soggetti nell’arte surreale variano notevolmente, ma il genere stesso è generalmente identificato da rappresentazioni disparate o apparentemente non realistiche di oggetti e luoghi. Molti surrealisti pensavano che le loro opere esprimessero una filosofia, una teoria o un’ideologia e non si concentravano sempre rigorosamente sull’estetica del dipinto stesso.
Gli artisti astratti hanno rimosso tutti i confini dalla loro forma di espressione visiva. A differenza del surrealismo, che spesso aveva ancora qualche oggetto riconoscibile nella pittura, l’arte astratta si concentrava maggiormente sull’espressione di un sentimento o pensiero non quantificabile. Sebbene l’arte astratta possa essere definita in modo molto ampio, molti pezzi tentano di esplorare un aspetto come il movimento o la composizione con metodi di pittura, forme o mezzi non convenzionali che sono stati disaccoppiati dalla rappresentazione di oggetti reali.
Nel mezzo del 20 ° secolo, una proliferazione di grafica e immagini ha iniziato a dilagare nelle case medie attraverso la pubblicità, le riviste e il design del packaging del prodotto. Alcuni artisti moderni hanno scoperto che questo costituiva un mezzo a sé e ha iniziato a creare arte da riferimenti culturali che non erano, in generale, destinati ad essere arte in primo luogo. Questa forma d’arte divenne nota come arte popolare o pop art. Gli artisti pop hanno utilizzato prodotti e immagini standard della cultura popolare per creare opere d’arte che offuscavano le linee tra ciò che era arte e ciò che era funzionale, design commerciale.