Neoklassizistisches Theater – oft als Theater buchstabiert – bezieht sich auf eine Bewegung in der Mitte des 17. Die Menschen dieser Zeit legten großen Wert auf Anstand oder würdevolles Verhalten und Realismus, und sie glaubten, dass die Hauptgründe für ein Theaterstück darin bestanden, Unterhaltung zu bieten und eine Lektion zu erteilen. Großartige, komplizierte Kulissen, aufwendige Dramatik und die strikte Beachtung der Klassiker waren Kennzeichen der Bewegung, wobei die meisten Produktionen auch durch fünf Akte, wenige Aufführungen und ein hohes Maß an Improvisation gekennzeichnet waren. Die Bewegung begann in Frankreich, verbreitete sich aber schnell in ganz Europa und darüber hinaus.
Leitbild der Epoche
Die allgemeine Philosophie während der neoklassizistischen Ära war, dass die vorherigen Perioden viel zu lasch waren und sich übermäßig auf Emotionen und das Individuum konzentrierten. Die Menschen der damaligen Zeit glaubten, man müsse deshalb etwas Zurückhaltung üben und sich mehr auf das konzentrieren, was jeder Einzelne zur Gesamtgesellschaft beitragen könne. Sie suchten Inspiration in den Kulturen der alten Griechen und Römer, den ursprünglichen Klassizisten, und versuchten, zu der Art und Weise zurückzukehren, wie diese Gruppen mit Leben und Kunst umgegangen waren.
Die fünf Regeln
Die Haltung der Neoklassizisten zum Exzess und zum Individuum führte dazu, dass sie strenge Richtlinien für das Angemessene im Theater entwickelten. Dazu gehörten fünf Grundregeln: Reinheit der Form, fünf Handlungen, Wahrhaftigkeit oder Realismus, Anstand und Zweck. Spielhäuser lehnten in der Regel Drehbücher oder Produktionen ab, die diese Anforderungen nicht erfüllten.
Dramatiker und Schauspieler in der neoklassischen Zeit erkannten offiziell nur zwei Arten von Theaterstücken an: Komödie und Tragödie. Sie vermischten diese nie miteinander, und die Einschränkung führte zur Verwendung des mittlerweile bekannten Paares von fröhlichen und traurigen Masken, die die Theaterkunst symbolisieren. Darüber hinaus regelten zusätzliche Bestimmungen das Thema und die Charaktere, die in jedem Spielgenre auftreten konnten. Komödien, die entweder Satiren oder Sittenkomödien waren, konzentrierten sich eher auf die unteren Gesellschaftsschichten, während Tragödien das komplexe und schicksalhafte Leben der Oberschicht und des Königshauses darstellten. Das Festhalten an diesen Genres war entscheidend für den Erfolg eines Stücks, und das Abweichen von diesen Klassengrenzen verstieß gegen die Ordnung der Klassiker.
Die Idee, dass ein Theaterstück mit genau fünf Akten aufgebaut sein sollte, knüpft an die drei Prinzipien oder Einheiten an, die von Aristoteles entwickelt wurden. Als Philosoph und Analytiker glaubte er, dass gutes, realistisches Theater die Einheit von Handlung, Ort und Zeit erforderte, was bedeutete, dass es nur sehr wenige Nebenhandlungen, eine Beschränkung von Orts- oder Geografieverschiebungen und eine zeitliche Begrenzung der Handlung auf nicht mehr als 24 Stunden gab. Dramatiker, die zu anderen Formaten wechselten, stießen in der Regel auf heftige Kritik. Neben der Beschränkung auf fünf Akte erhielten die meisten ernsthaften Produktionen nur eine oder eine Handvoll Aufführungen, weil die Beteiligten keine Spektakel machen und die Elite oder Gelehrte der Gesellschaft ansprechen wollten, was zu einem viel kleineren Publikum führte.
Menschen, die in dieser Zeit lebten, erwarteten auch in der Regel, dass Schauspieler so realistisch wie möglich sind und ihre Charaktere genau so darstellen, wie sie sich verhalten hätten. In anderen Theaterstilen waren Schauspieler dafür bekannt, dass sie übermäßig dramatisch waren oder außerhalb ihrer Klasse oder Rolle spielten, aber der Neoklassizismus forderte die strikte Einhaltung von Klasse, sozialem Status, Temperament und Geschlecht. Fantastische oder übernatürliche Elemente, zusammen mit Selbstgesprächen und Refrains, wurden normalerweise nicht aufgenommen, da sie nicht reale Erfahrungen oder Verhaltensweisen repräsentierten.
Decorum forderte Skripte, die Fairness bei der Darstellung und Beurteilung von Charakteren auf der Bühne zeigen. Es bedeutete auch, dass bei Bedarf Gerechtigkeit geübt wurde, so dass es im neoklassischen Theater im Allgemeinen keine überraschenden Enden gab, in dem Sinne, dass Charaktere mit einem gesunden moralischen Urteil immer belohnt wurden und diejenigen, die schlechte oder schlechte Entscheidungen getroffen hatten, bestraft wurden. Produktionen sollten letztendlich den Zweck erfüllen, eine moralische Lektion zu erteilen und zu unterhalten.
Bühne, Bühnenbild und Kostüme
Die Sets im neoklassischen Theater waren dramatisch, aufwendig und reich. Sie wurden entwickelt, um jeder Szene eine üppige Kulisse zu bieten und dem Publikum zu helfen, sich im Drama zu verlieren. Ein weiteres Ziel war es, eine realistische Illusion von Tiefe und Wahrnehmung zu schaffen. Die Bühnen selbst wurden in dieser Zeit mit dramatischen Bögen umgestaltet, um die Szenen und mehreren Einstiegspunkten auf die Bühne hervorzuheben. Die Idee, Kulissen und Kulissen zu wechseln, wird immer wichtiger, insbesondere mit der Erfindung von Flaschenzugsystemen, die es ermöglichen, dass sich Teile schneller über die Bühne bewegen. Licht- und Soundeffekte verstärkten die Stimmung und Botschaft jeder Szene und steigerten das dramatische Erlebnis.
Natürlich hätten triste Kleidungsstücke im Kontext dieser neuen Kulissen und Bühnenbilder etwas fehl am Platz gewirkt. Obwohl die Kostüme einen Sinn für Realismus bewahrten, waren sie immer noch sehr farbenfroh und verwendeten oft Spitzen und andere Verzierungen, um sie attraktiver zu machen. Manchmal benutzten diejenigen im Stück auch Masken, die dem Stil der Commedia dell’arte entsprachen.
Improvisation
In vielen Fällen lieferten Dramatiker nur einen losen Umriss einer Handlung, und von den Schauspielern wurde erwartet, dass sie improvisieren, um Lücken zu füllen. Dies war bei Komödien häufiger der Fall, kam aber in beiden Formen vor, da die Durchführung einer Aufführung oft eine spontane Entscheidung war, die nicht immer viel Zeit zum Schreiben oder Proben zuließ. In einigen Gruppen spezialisierten sich die Leute darauf, nur eine sehr begrenzte Anzahl von Charakteren zu spielen, damit sie im Handumdrehen die Persönlichkeiten besser einfangen konnten, und einige Schauspieler widmeten sich während ihrer gesamten Karriere den gleichen Rollen.
Vorstellung von Frauen
Hunderte von Jahren durften nur Männer auf der Bühne stehen. Die allgemeine Ansicht war, dass Frauen nicht in öffentliche Spektakel verwickelt oder in eine prominentere Position gebracht werden sollten, und einige Leute glaubten, dass Frauen so beschäftigt seien, über andere Dinge nachzudenken, dass sie sich unmöglich erinnern und Zeilen nicht richtig halten könnten. Infolgedessen nahmen vorpubertäre Jungen oder Männer, die ihre Stimme manipulieren konnten, weibliche Rollen ein. Während der neoklassizistischen Zeit durften Frauen jedoch Anteilseigner von Theatergruppen sein und an Produktionen teilnehmen, was zu einigen der ersten professionell bezahlten Schauspielerinnen führte.
Bedeutende Dramatiker
Während es während der neoklassischen Bewegung viele erfolgreiche Dramatiker gab, erreichten drei Dramatiker einen erheblichen Erfolg und Bekanntheit. Pierre Cornielle (1606 – 1684) wird oft als Vater der französischen Tragödie bezeichnet und schreibt seit mehr als vier Jahrzehnten Drehbücher. Jean-Baptiste Poquelin – besser bekannt als Molière (1622 – 1673) – ist bekannt für seine Komödien. Jean Racine (1639 – 1699) war ein tragischer Geliebter für seine einfache Herangehensweise an das Handeln und die sprachlichen Rhythmen und Effekte, die er erzielte. Alle drei waren in der Lage, Elemente aus der klassischen griechischen und römischen Literatur zu übernehmen und sie in Stücke zu verwandeln, die den neoklassischen Standards von Anstand, Zeit und Raum entsprachen.