Le théâtre néoclassique – souvent orthographié comme théâtre – fait référence à un mouvement du milieu du XVIIe au début du XVIIIe siècle dans lequel les arts théâtraux étaient définis par les idées et les styles des sociétés grecques et romaines antiques. Les gens de l’époque accordaient une grande importance au décorum, ou comportement digne, et au réalisme, et ils pensaient que les principales raisons d’une pièce étaient de divertir et de donner une leçon. Des décors grandioses et complexes, un drame élaboré et un souci strict des classiques étaient les caractéristiques du mouvement, la plupart des productions étant également caractérisées par l’utilisation de cinq actes, peu de performances et un niveau élevé d’improvisation. Le mouvement a commencé en France mais s’est rapidement étendu à toute l’Europe et au-delà.
Principe directeur de l’époque
La philosophie générale à l’époque néoclassique était que les périodes précédentes avaient été beaucoup trop laxistes, se concentrant excessivement sur les émotions et l’individu. Les gens de l’époque croyaient qu’il était nécessaire d’exercer une certaine retenue en conséquence, et de se concentrer davantage sur ce que chacun pouvait apporter à l’ensemble de la société. Ils ont cherché l’inspiration sur la façon de le faire dans les cultures des anciens Grecs et Romains, les classiques d’origine, et ont tenté de revenir à la façon dont ces groupes avaient géré la vie et les arts.
Les cinq règles
L’attitude des néoclassiques envers l’excès et l’individu les a conduits à développer un ensemble de directives strictes pour ce qui était approprié dans le théâtre. Celles-ci comprenaient cinq règles de base : pureté de la forme, cinq actes, vraisemblance ou réalisme, décorum et but. Les maisons de jeu rejetaient généralement les scripts ou les productions qui ne répondaient pas à ces exigences.
Les dramaturges et les acteurs de la période néoclassique ne reconnaissaient officiellement que deux types de pièces de théâtre : la comédie et la tragédie. Ils ne les ont jamais mélangés ensemble, et la restriction a conduit à l’utilisation de la paire désormais bien connue de masques joyeux et tristes qui symbolisent les arts théâtraux. De plus, des stipulations supplémentaires régissaient le sujet et les personnages pouvant apparaître dans chaque genre de pièce. Les comédies, qui étaient soit des satires, soit des comédies de mœurs, avaient tendance à se concentrer sur les rangs inférieurs de la société, tandis que les tragédies dépeignaient la vie complexe et fatidique des classes supérieures et de la famille royale. L’adhésion à ces genres était essentielle au succès d’une pièce, et s’écarter de ces limites de classe allait à l’encontre de l’ordre des classiques.
L’idée qu’une pièce devrait être structurée avec exactement cinq actes est liée aux trois principes, ou unités, imaginés par Aristote. En tant que philosophe et analyste, il croyait qu’un bon théâtre réaliste nécessitait une unité d’action, de lieu et de temps, ce qui signifiait très peu d’intrigues secondaires, une restriction des changements de lieu ou de géographie et une durée de l’intrigue ne dépassant pas 24 heures. Les dramaturges qui sont passés à différents formats ont généralement rencontré de vives critiques. En plus de la limitation en cinq actes, la plupart des productions sérieuses n’ont eu qu’une ou une poignée de représentations, car les personnes impliquées voulaient éviter de créer des spectacles et faire appel à l’élite ou aux érudits de la société, ce qui résultait en un public beaucoup plus restreint.
Les personnes vivant à cette époque s’attendaient également généralement à ce que les acteurs soient aussi réalistes que possible et qu’ils présentent leurs personnages exactement comme ils se seraient comportés. Dans d’autres styles de théâtre, les acteurs étaient connus pour être trop dramatiques ou jouer en dehors de leur classe ou de leur rôle, mais le néoclassicisme exigeait une stricte adhésion à la classe, au statut social, au tempérament et au sexe. Les éléments fantastiques ou surnaturels, ainsi que les soliloques et les refrains, n’étaient généralement pas inclus, car ils ne représentaient pas une expérience ou un comportement du monde réel.
Le décorum a appelé à des scripts pour démontrer l’équité dans la façon dont les personnages ont été dépeints et jugés sur scène. Cela signifiait également que justice serait rendue si nécessaire, de sorte qu’il n’y avait généralement pas de fin surprise dans le théâtre néoclassique dans le sens où les personnages dotés d’un bon jugement moral étaient toujours récompensés et ceux qui avaient fait des choix mauvais ou mauvais étaient punis. Les productions étaient finalement censées remplir les objectifs d’enseigner une leçon de morale et de divertir.
La scène, les décors et les costumes
Les décors du théâtre néoclassique étaient dramatiques, élaborés et riches. Ils ont été conçus pour fournir une toile de fond luxuriante à chaque scène et pour aider le public à se perdre dans le drame. Un autre objectif était de fournir une illusion réaliste de profondeur et de perception. Les scènes elles-mêmes ont été repensées au cours de cette période avec des arcs dramatiques pour mettre en valeur les scènes et de multiples points d’entrée sur la scène. L’idée de changer de décor et d’arrière-plan est devenue plus importante, en particulier avec l’invention des systèmes de poulies qui ont permis aux pièces de se déplacer plus rapidement sur la scène. L’éclairage et les effets sonores ont rehaussé l’ambiance et le message de chaque scène, améliorant ainsi l’expérience dramatique.
Naturellement, les vêtements ternes auraient semblé quelque peu déplacés dans le contexte de ces nouveaux décors et scénographies. Bien que les costumes aient conservé un certain réalisme, ils étaient toujours très colorés, utilisant souvent de la dentelle et d’autres embellissements pour les rendre plus attrayants. Parfois, les personnages de la pièce utilisaient également des masques, conformément au style de la commedia dell’arte.
Improvisation
Dans de nombreux cas, les dramaturges ne fournissaient qu’un aperçu vague d’une intrigue, et les acteurs devaient improviser pour combler les lacunes. C’était plus courant avec les comédies, mais cela se produisait dans les deux formes, car monter une représentation était souvent une décision spontanée qui ne laissait pas toujours beaucoup de temps pour écrire ou répéter. Dans certaines troupes, les gens se sont spécialisés dans l’interprétation d’un nombre très limité de personnages afin de mieux saisir les personnages à la volée, et quelques acteurs se sont consacrés à jouer les mêmes rôles tout au long de leur carrière.
Présentation des femmes
Pendant des centaines d’années, seuls les hommes étaient autorisés à monter sur scène. L’opinion générale était que les femmes ne devraient pas être impliquées dans des spectacles publics ou placées dans une position plus importante, et certaines personnes pensaient que les femmes étaient tellement occupées à penser à d’autres choses qu’elles ne pouvaient pas se souvenir et prononcer correctement des lignes. En conséquence, les garçons ou les hommes prépubères qui pouvaient manipuler leur voix ont pris des rôles féminins. Pendant la période néoclassique, cependant, les femmes ont été autorisées à être actionnaires de compagnies théâtrales et à participer à des productions, ce qui en a fait certaines des premières actrices professionnelles rémunérées.
Dramaturges majeurs
Bien qu’il y ait eu de nombreux dramaturges à succès pendant le mouvement néoclassique, trois dramaturges ont obtenu un succès et une notoriété importants. Pierre Cornielle (1606 – 1684) est souvent appelé le père de la tragédie française, écrivant des scénarios pendant plus de quatre décennies. Jean-Baptiste Poquelin — plus connu sous le nom de Molière (1622 – 1673) — est connu pour ses comédies. Jean Racine (1639 – 1699) était un tragédien apprécié pour son approche simpliste de l’action et les rythmes et effets linguistiques qu’il obtenait. Ces trois hommes ont été capables de prendre des éléments de la littérature grecque et romaine classique et de les transformer en pièces de théâtre conformes aux normes néoclassiques de bienséance, de temps et d’espace.