Un anti-masque est une performance exagérée et désordonnée qui se produit dans le cadre de l’apparat dans la présentation d’un masque, une performance formelle comprenant de la danse, des costumes élaborés et des décors ornés. Les masques étaient une forme populaire de divertissement à la cour dans l’Angleterre des XVIe et XVIIe siècles. L’anti-masque a été introduit au début des années 16. Le dramaturge Ben Jonson est généralement crédité d’avoir ajouté cette innovation à la performance pour augmenter la tension et l’intérêt dramatiques.
Les masques flattaient leurs patrons, généralement des monarques ou des seigneurs de haut rang, et trouvaient leur origine dans les reconstitutions historiques. Au plus fort de cette forme de divertissement, certains courtisans se sont joints à eux, exécutant des danses élaborées et complexes, parfois avec leurs identités cachées derrière des masques. La représentation d’un anti-masque avait généralement lieu au début ou comme un intermède, et impliquait généralement des acteurs professionnels plutôt que des courtisans en raison du sujet.
Dans ce segment de la performance, les joueurs seraient grossiers et rauques, permettant au masque principal de fournir une forme de résolution. Cela était généralement conçu pour flatter le patron de la représentation; l’anti-masque pourrait représenter des ennemis politiques populaires, par exemple, tandis que le masque serait une allégorie du monarque, qui pourrait rétablir l’ordre et la grâce. Introduire un élément de conflit dans la représentation grâce à l’anti-masque ajouté au sens de l’apparat, ainsi qu’augmenter les chances que le client soit satisfait de la résolution flatteuse.
Les acteurs de l’anti-masque portaient des costumes et des masques dramatiques et grotesques ainsi qu’un maquillage épais. Certains ont été conçus pour être effrayants, tandis que dans d’autres cas, un élément de comédie a été introduit pour se moquer des sujets de l’anti-masque. Un artiste habillé en politicien, par exemple, pourrait participer à des blagues grossières basées sur l’humour corporel, et les artistes pourraient délibérément trébucher, tomber et se déplacer de manière disgracieuse et maladroite. Le niveau de dramatisation dépendait de la performance et des directives du créateur, qui prenait toujours soin de s’adapter au goût du client.
Les performances de cette nature ont continué au-delà de leur popularité, mais sont devenues beaucoup moins courantes. Jusqu’au 20ème siècle, les dramaturges produisaient encore des masques, bien que généralement comme des performances formelles pour le public plutôt que des événements privés devant un tribunal. Ces événements ont conservé la pompe et l’apparat, mais étaient moins fortement tributaires de l’allégorie dans leurs récits. Le but n’était pas de flatter un spectateur, mais de raconter une histoire et de conserver une forme d’art traditionnelle.