Muchos factores pueden afectar la relación entre la percepción y el arte, incluida la composición psicológica del espectador, la predisposición genética, la educación y los antecedentes religiosos. En el pasado, muchas culturas desarrollaron formas sistematizadas de crear arte, lo que ha facilitado a los espectadores comprender las obras de arte. El desarrollo del movimiento artístico posmoderno y los medios de comunicación han complicado la conexión entre la percepción y el arte.
La composición psicológica de una persona puede influir en cómo él o ella ve el arte. Una persona con una personalidad alegre y alegre en general probablemente no se sentirá atraída por algunas de las pinturas sombrías y torturadas de monstruos que se comen a las personas que pintó Francisco de Goya. Él o ella podría estar más en sintonía con algunas de las pinturas de retratos de Goya.
Las predisposiciones genéticas como el daltonismo y otras anomalías visuales también pueden influir en la percepción y el arte. Una persona con daltonismo puede no distinguir todos los colores en una pintura. Alguien que tenga un problema con la percepción de profundidad verá una pintura de manera diferente a alguien con vista normal.
La educación y la exposición previa al arte visual pueden influir en la percepción y el arte. Una persona educada en historia del arte puede visitar el Louvre en París para ver la Mona Lisa y apreciar la habilidad artística y la paciencia necesarias para representar los tonos de piel como lo hizo Leonardo da Vinci. Por otro lado, una persona sin un conocimiento de la historia del arte podría pensar: «Dios, esa es una pintura muy pequeña y oscura en la que se amontonan todas esas personas». ¿Cual es el problema?»
Incluso la religión de una persona puede ser un factor en la percepción de una obra de arte. Si un católico devoto al que no le gusta el color rojo ve una pintura de un crucifijo rojo al revés sobre un fondo negro, es probable que piense que la pintura es sacrílega y no entendería ni estaría de acuerdo con las intenciones del artista. El precio de la pintura y la reputación del artista no influirían en la opinión de ese espectador.
A lo largo de la historia, muchas culturas han desarrollado una estética sistematizada, o principios de belleza, así como temas estándar que simplificaron la percepción del arte. Los egipcios pintaban a las personas con un estilo muy específico al que los espectadores estaban acostumbrados. El tema de las pinturas y esculturas del Renacimiento se basaba casi siempre en historias religiosas con las que la mayoría de la gente estaba familiarizada. Los artistas del Renacimiento también usaron principios de estética, como la unidad, la repetición y el equilibrio para crear composiciones agradables que al cerebro humano le gustaba ver.
Después del Renacimiento, muchas academias de pintura occidentales, como las de Francia, por ejemplo, confiaron en la estética como base para crear pinturas que se consideraron hermosas. El surgimiento del arte moderno a principios del siglo XX trajo un cambio importante en el pensamiento sobre la percepción y el arte. Uno de los pintores modernos más conocidos fue Picasso, quien junto con Georges Braque, desarrolló el estilo de arte abstracto conocido como cubismo. A pesar de que la obra de arte de Picasso era abstracta, todavía confiaba en principios estéticos sistematizados.
La teoría posmoderna y el fácil acceso a Internet han cambiado notablemente los conceptos sobre estética, así como sobre percepción y arte. Algunos artistas posmodernos crean arte digital solo para Internet, y otros artistas producen juegos de computadora que se consideran obras de arte. Por el contrario, algunos métodos de baja tecnología para crear arte, como escribir en hojas de tabaco con un bolígrafo negro o hacer una escultura con tampones, también se consideran arte. Estas variadas formas de arte existen junto con el arte tradicional, como la pintura y la escultura, y han generado una gran controversia sobre la percepción y la definición del arte.