El cromatismo es un enfoque para crear música que incorpora notas desde fuera de la escala normal para la tonalidad central de la música. En términos básicos, esto significa que la música tiene notas que pueden sonar “agrias” para los oídos de muchos oyentes en lugar de armoniosas. Estas notas se pueden incorporar como parte de un acorde o como un elemento de una melodía suprayacente. Los métodos para implementar el cromatismo varían bastante, y las notas agrias se pueden usar con moderación o muy a menudo, dependiendo del tipo de música que se esté reproduciendo. En manos de un músico talentoso, estas notas potencialmente agrias en realidad pueden sonar muy agradables debido al contexto o la forma en que se usan, o podrían usarse específicamente para crear un estado de ánimo incómodo.
Las escalas, en términos básicos, son patrones de notas repetitivas que generalmente suenan bien para el oído humano y generalmente giran en torno a una tecla tonal central. Por ejemplo, la escala principal tiene siete notas que siempre están separadas por una cierta distancia, y a medida que la escala se mueve a diferentes teclas, las notas específicas cambian, pero el patrón básico en términos de la distancia musical entre cada nota permanece igual. La escala cromática, por otro lado, son las 12 notas básicas en secuencia. Por ejemplo, si alguien tocara las 12 notas consecutivas en un piano, incluidas las teclas en blanco y negro, estaría corriendo a través de la escala cromática. Lo que esto significa para los propósitos de este tema es que la escala cromática tiene todas las notas en las otras escalas, junto con todas las notas entre esas notas, y estos son los tonos que suenan amargos para el oído promedio.
Los músicos a lo largo de la historia han estado incorporando el cromatismo en pequeñas formas. Por ejemplo, si una nota se dobla en un instrumento de cuerda, hay un período entre el inicio y el punto final de la curva donde el oyente “experimenta” las notas cromáticas en el medio. El oyente generalmente acepta esto y generalmente suena bien porque el músico comienza y finaliza la curva en un punto que está en la clave tonal correcta, haciendo que el cromatismo funcione como un edificio de tensión que finalmente se libera de una manera armónicamente cómoda. Este mismo efecto de deslizarse fluidamente entre notas tonalmente aceptables es una técnica normal utilizada por los cantantes todo el tiempo, e incluso existe hasta cierto punto cada vez que hay algún tipo de vibrato en la música.
El cromatismo es mucho más pronunciado cada vez que hay una delimitación completa de las notas en lugar de un efecto deslizante, pero los músicos aún pueden hacer que las notas suenen cómodas para el oído humano. La mayoría de las veces, el músico tocará las llamadas “notas de paso”, que son esencialmente notas cromáticas entre notas que son tonalmente correctas. Básicamente, el músico a menudo comenzará y terminará cualquier frase musical en una nota que no suene amarga para el oyente, lo que hace que las notas intermedias se sientan resueltas, aunque muchas de ellas pueden ser muy agrias. Los músicos de jazz a menudo se destacan en esto, y también ha sido incorporado por muchos compositores importantes, comenzando principalmente durante el período romántico y avanzando a través de la historia.
En algunas músicas, la acidez innata del cromatismo es realmente aceptada y no hay ningún intento de hacer que las notas ácidas encajen o que el oyente se sienta cómodo. Cualquiera que haya escuchado la música en una partitura de una película, especialmente películas de terror, probablemente ha escuchado música que usa este tipo de cromatismo para crear un estado de inquietud o crear una sensación de caos. A lo largo de la historia de la música, muchos compositores usaron el cromatismo para ampliar los límites de la música, a veces conduciendo a una música que no tiene ningún centro tonal, a menudo denominada música “atonal”.