Molti fattori possono influenzare la relazione tra percezione e arte, tra cui la struttura psicologica di uno spettatore, la predisposizione genetica, l’educazione e il background religioso. In passato molte culture hanno sviluppato modi sistematici di creare arte, il che ha reso più semplice per gli spettatori comprendere le opere d’arte. Lo sviluppo del movimento artistico postmoderno e dei mass media hanno complicato la connessione tra percezione e arte.
La composizione psicologica di una persona può influenzare il modo in cui vede l’arte. Una persona con una personalità generalmente solare e ottimista probabilmente non sarà attratta da alcuni dei cupi e torturati dipinti di mostri che mangiano persone che Francisco de Goya ha dipinto. Lui o lei potrebbe essere più in sintonia con alcuni dei ritratti di Goya.
Predisposizioni genetiche come il daltonismo e altre anomalie visive possono anche influire sulla percezione e sull’arte. Una persona con daltonismo potrebbe non distinguere tutti i colori in un dipinto. Qualcuno che ha un problema con la percezione della profondità vedrà un dipinto in modo diverso rispetto a qualcuno con la vista normale.
L’istruzione e la precedente esposizione all’arte visiva potrebbero influenzare la percezione e l’arte. Una persona istruita nella storia dell’arte potrebbe visitare il Louvre a Parigi per vedere la Gioconda e apprezzare l’abilità artistica e la pazienza richieste per rappresentare le tonalità della pelle come fece Leonardo da Vinci. D’altra parte, una persona senza una conoscenza della storia dell’arte potrebbe pensare: “Accidenti, è un dipinto terribilmente piccolo e scuro in cui tutte quelle persone sono affollate. Qual è il grosso problema”
Anche la religione di una persona può essere un fattore nel modo in cui viene percepita un’opera d’arte. Se un cattolico devoto a cui non piace il colore rosso vede un dipinto di un crocefisso rosso rovesciato su uno sfondo nero, è incline a pensare al dipinto in modo sacrilego e non comprenderebbe o concordare con le intenzioni dell’artista. Il prezzo del dipinto e la reputazione dell’artista non influenzerebbero l’opinione dello spettatore.
Nel corso della storia molte culture hanno sviluppato un’estetica sistematizzata, o principi di bellezza, nonché argomenti standard che hanno semplificato la percezione dell’arte. Gli egiziani dipingevano le persone in uno stile molto specifico a cui erano abituati gli spettatori. L’argomento dei dipinti e delle sculture rinascimentali era quasi sempre basato su storie religiose con cui la maggior parte delle persone conosceva. Gli artisti del Rinascimento usarono anche principi di estetica, come unità, ripetizione ed equilibrio per creare piacevoli composizioni che il cervello umano amava vedere.
Dopo il Rinascimento, molte accademie di pittura occidentali, come quelle francesi ad esempio, si affidarono all’estetica come base per la creazione di dipinti considerati belli. L’ascesa dell’arte moderna all’inizio del XX secolo ha portato un grande cambiamento nel pensare alla percezione e all’arte. Uno dei pittori moderni più conosciuti fu Picasso, che insieme a Georges Braque, sviluppò lo stile di arte astratta noto come cubismo. Sebbene le opere d’arte di Picasso fossero astratte, faceva ancora affidamento su principi estetici sistematici.
La teoria postmoderna e il pronto accesso a Internet hanno notevolmente cambiato i concetti di estetica, percezione e arte. Alcuni artisti postmoderni creano arte digitale solo per Internet e altri artisti producono giochi per computer considerati arte. Al contrario, alcuni metodi a bassa tecnologia per creare arte, come scrivere sulle foglie di tabacco con una penna nera o fare una scultura con i tamponi, sono considerati arte. Queste varie forme d’arte esistono accanto all’arte tradizionale come la pittura e la scultura e hanno suscitato molte controversie sulla percezione e sulla definizione dell’arte.