La poésie dramatique, également connue sous le nom de vers dramatiques ou de drames en vers, est une œuvre écrite qui raconte à la fois une histoire et relie le lecteur à un public par le biais d’émotions ou de comportements. Une forme de narration étroitement liée au jeu d’acteur, elle est généralement exécutée physiquement et peut être parlée ou chantée. Normalement, il utilise un modèle de rimes ou de métriques défini, ce qui le distingue de la prose. Il a évolué depuis ses débuts dans la Grèce antique, mais il survit encore aujourd’hui, notamment dans les livrets d’opéra. Un manque de directives strictes rend quelque peu discutable ce qui compte exactement comme un poème dramatique, mais en général, les quatre principales formes acceptées sont le soliloque, le monologue dramatique, l’esquisse de personnage et le dialogue.
Histoire
Dans la Grèce antique, les gens allaient au théâtre pour voir des pièces en direct pour se divertir, tout comme les individus le font aujourd’hui. Ceux qui ont joué dans les pièces avaient souvent besoin de mémoriser leurs parties très rapidement, alors les dramaturges ont essayé de les aider en mettant le texte dans un modèle de mètre ou de rime plus facile à retenir. Au fil du temps, les écrivains, les acteurs et le grand public ont commencé à préférer un style de vers plus libre. Ainsi, à la Renaissance, les pièces de théâtre étaient souvent composées d’une combinaison de prose et de sections rimées ou métriques. Finalement, le discours sans restriction est devenu la norme, mais la poésie dramatique a survécu, principalement à travers des livrets d’opéra, car les rimes et un nombre particulier de syllabes par ligne se mariaient bien avec des phrases musicales.
Fonctionnalités Principales
Ce type de poésie utilise le discours et les actions d’au moins une personne pour décrire une scène ou une intrigue. C’est différent du simple récit parce que l’accent est généralement mis sur la façon dont cet individu contrôle ou réagit émotionnellement ou physiquement à ce qui se passe – c’est-à-dire qu’il s’agit de plus qu’une simple explication des faits. Souvent, c’est du point de vue du personnage, donnant au spectateur une idée de sa personnalité, de sa morale, de son histoire et de ses rêves.
En général, donner vie à une personne fictive est beaucoup plus facile lorsque quelqu’un peut physiquement montrer ce que ce personnage est censé ressentir ou faire. C’est la principale façon dont la poésie dramatique se sépare des autres formes – contrairement à la poésie de placard que quelqu’un lit simplement sur une page, elle nécessite une action, telle que faire des expressions faciales, faire des gestes ou interagir avec d’autres personnes ou choses dans la pièce. Le jeu d’acteur et ce type de littérature ont un lien fort pour cette raison, certains acteurs et actrices l’utilisant pour s’entraîner.
Une autre caractéristique clé est que le texte suit généralement une forme de vers ou de rimes. En conséquence, il finit généralement par se sentir très rythmé. Les écrivains y pensent souvent lorsqu’ils écrivent un nouveau poème dramatique, parce qu’ils veulent qu’une personne soit capable de bien prononcer les lignes et parce qu’ils veulent que le public comprenne ce qui se passe. Obtenir ce naturel peut être difficile, cependant, simplement parce que le discours de tous les jours ressemble davantage à de la prose, de sorte que certains écrivains hésitent à utiliser ce style.
Formulaires
La poésie dramatique peut prendre plusieurs formes : soliloque, monologue dramatique, esquisse de personnage et dialogue. N’importe laquelle de ces formes peut se suffire à elle-même, mais lorsqu’une personne écrit une pièce de théâtre, elle peut utiliser plus d’un style, selon la façon dont elle veut montrer le développement. Les meilleurs acteurs et actrices sont capables de passer sans problème d’une forme à une autre, même si certains finissent par se spécialiser.
Dans un soliloque, un personnage parle principalement à lui-même, sans interagir avec quelqu’un d’autre. C’est généralement un bon moyen de montrer rapidement ce qu’il pense, veut ou va faire, car cela donne un aperçu de son esprit. Le meilleur exemple vient peut-être de la pièce tragique de William Shakespeare, Hamlet, dans laquelle Hamlet se demande s’il vaut mieux vivre ou mourir.
Un monologue dramatique est très similaire à un soliloque en ce sens qu’il révèle quelque chose sur le personnage qui parle. La principale différence est que, ici, l’acteur parle à quelqu’un d’autre dans la pièce, pas seulement à lui-même. Cette deuxième personne ne dit rien, mais sa présence rend souvent le discours un peu plus crédible. Ce type de poésie dramatique apparaît généralement pendant les moments critiques de l’intrigue.
Avec un sketch de personnage, l’objectif principal d’un scénariste est de faire en sorte que le public ressente quelque chose pour le personnage, plutôt que de faire avancer l’intrigue. Le sentiment peut être de la sympathie, de la haine ou quelque chose entre les deux, mais le résultat est généralement qu’une personne qui regarde la pièce devient émotionnellement connectée à ce qui se passe, créant une expérience théâtrale plus mémorable. L’individu qui délivre les lignes joue le rôle principal d’observateur.
Le dialogue prend au moins deux personnes, qui échangent des lignes pour orienter l’action, donner des informations ou raconter quelque chose sur elles-mêmes. L’avantage de cette forme est que les acteurs peuvent jouer les uns contre les autres, répondant naturellement à ce que fait l’autre personne afin que la pièce ne semble pas trop répétée. Le défi de l’utiliser dans la poésie dramatique, cependant, est qu’un écrivain doit maintenir une certaine similitude entre le rythme et la mesure du texte pour les deux locuteurs, même s’il essaie de faire en sorte que chacun semble avoir une personnalité distincte. Changer radicalement le compteur ou le schéma de rimes au fur et à mesure que chaque personne parle peut rendre le flux global de la scène trop agité ou déconnecté. Un exemple dans ce groupe est The Shadowy Waters de William Butler Yeats.
Débat
Il n’y a pas de lignes directrices établies sur ce qui rend exactement le texte poétique, et parfois, la frontière entre la prose droite et l’écriture structurée est très mince. Ce qu’on peut appeler techniquement un poème dramatique relève donc un peu de l’interprétation. Pour rendre les choses encore plus complexes, les gens adaptent souvent des poèmes «ordinaires» à la scène. Ainsi, lorsqu’on essaie de catégoriser différentes œuvres, ce qu’une personne fait avec le texte est aussi important que ce qu’il y a dans l’écriture elle-même.